Конспект лекции Юлии Рыбаковой «Основные принципы построения современной экспозиции»

5 апреля 2019 РГПУ им.Герцена, Институт Философии Человека

Расшифровка: Никита Жатин

 

Сегодня мы поговорим о самых общих принципах построения выставки и о том, как учиться строить экспозицию. Если открыть любой учебник, становится понятно, что самая большая сложность заключается в документации и, как следствие, передаче опыта. Временные выставки плохо поддаются фото-документации, поскольку здесь нужно ухватить и зал, и отдельные экспонаты. Таким образом, мы не можем посмотреть фото и научиться создавать хорошие экспозиции. Конечно, на помощь приходит видео-документация, но и этого иной раз недостаточно.

 

Любая экспозиция строится из следующих составляющих:

1. Экспонатура

2. Выставочное пространство

3. Тематика и концепция, вложенная в экспозицию

4. Пространственное решение ( хотя, исходя из опыта, пока работа не окажется в выставочном пространстве, очень сложно предположить, где оно в итоге окажется)

5. Техническое решение ( крепеж, оборудование, проекции, инсталляции)

 

Для начала следует упомянуть о генезисе галерейного пространства и о том, почему оно такое, какое оно есть. Мы рассмотрим это с позиции Брайана О’Догэрти, который говорил о том, что само пространство задавало те ориентиры, по которыми двигалась история искусства. Изначально, как вы знаете, в салонах работы висели в несколько рядов на стенах, потому что рама ограничивала живописное пространство картины и позволяла, таким образом, размещать картины вблизи друг от друга. 

  • Понятия:Шпалерная развеска — способ размещения произведений станковой живописи, при котором картины закрывают всю плоскость стены.

То галерейное пространство, которое мы имеем сейчас, появилось благодаря тому, что в какой-то момент исчезла рама. Изначальная шпалерная развеска, с массивными рамами, ограничивающей пространство картины, сменилась эпохой импрессионизма и идеей о том, что картина отображает собой случайно выхваченный кусочек действительности, которому не нужна ограниченность и четкость изображения. Мы понимаем, что Моне, изображая мост Ватерлоо, делает это не случайно, но он подает это именно так, в свободе от рамок и ограничений, давая картине дышать. Рама становится весьма условной и вскоре  -лишней. 

Это постепенно приводит нас к современному галерейному пространству. Если картина должна дышать, то вторую картину вплотную к ней повесить уже нельзя, получится визуальный винегрет, который надо разграничивать. То же касается и обоев и предметов интерьера, которые так же мешают восприятию картин. Со временем появляется отдельные помещения, специально оборудованные «комнаты» для выставок, которые и приводят нас к образу того галерейного пространства, которое мы знаем сейчас. Пространство, называемое белым кубом, лишенное всяческих украшений, отвлекающих нас от объектов.

  • Понятия:Белый куб (White Cube) — концепция, согласно которой объекты  выставляются в белом, практически стерильном, пространстве.

Тенденции, господствующие в 60-х годах в Штатах и в Европе, дошли до нас, но не стали доминирующими. До сих пор, смотря на российские галереи, мы зачастую можем увидеть ту самую шпалерную развеску. Интересно, что шпалерную развеску иногда называют Петербургской или Российской. 

Само по себе галерейное пространство способно менять отношение к объектам в них расположенным. Все мы знаем анекдот про некого злодея, который поместил в галерее камень с подписью, и все посетители галереи начали им восторгаться. Эта история должна как бы бичевать современное искусство, но на самом деле она говорит лишь о глубоком его непонимании. Галерея- это своего рода микроскоп, все помещенные под него объекты могут быть рассмотрены под совершенно новым углом. Если взять, например, старый ботинок, который человек носит 10 лет, не обращая внимания, и поместить его в условия, в которых зрителя ничто от него отвлекать не будет, где на этот ботинок будет направлен специальный свет, он сразу приобретет новые свойства и новые смыслы. Не даром галереи и музеи сравнивают с культовыми сооружениями. Объекты, помещенные туда, в нашем сознании наделяются особыми психологическими конструктами, стереотипами и смыслами. 

Создание экспозиции, как и создание картины, это процесс творческий. Для того, чтобы зритель, вошедший в зал, смог должным образом воспринять произведение искусства, его важно подать правильно. Нужно учитывать все объекты, находящиеся в помещении, как визуальные доминанты, которые будут формировать образ галерейного пространства. Будь то окна, столы, цветы, баннеры, все это будет концентрировать на себе композиционные и цветовые акценты. Нельзя хаотично перемешивать в зале акварели мягких цветов и яркие картины, написанные маслом. Необходимо выдерживать баланс, это возможно не только через теоретические навыки из учебников по композиции, но также и с умением видеть и чувствовать композицию, это конечно же приходит с опытом и набиванием руки на конкретных проектах. 

Одним из таких навыков, приходящих с опытом, является умение сказать нет. Сказать нет, например, художнику, который очень хочет выставить все свои работы, которые копились у него в мастерской десятилетиями. Мы должны всегда помнить о задумке и первоначальном экспозиционном плане.

 

Формировать опыт и чувство баланса можно не только на практике, но еще и посещая разные выставки, анализировать решения по развеске, по соблюдению баланса с учетом архитектурных особенностей помещения. Работа в одном и том же галерейном пространстве так же имеет свои плюсы, тебе в руки попадает пазл, который тебе, по сути, нужно каждый раз собирать по-разному, проявляя креативность. 

В создании галерей и музейных пространств зачастую принимают участие не только галеристы, музейщики или искусствоведы, но так же и психологи, которые так же учитывают восприятие зрителем объектов, как разгрузить его сознание, отвлечь его от тяжелых тем, раскрываемых на выставке, как удержать его внимание среди множества экспонируемых объектов. Например, при разработке выставки UNWHITEME, , посвященный психическим расстройствам, которую мы делали совместно с Мастерской интерактивного искусства, было принято несколько важных экспозиционных решений для разгрузки зрителей от этой, прямо скажем, тяжелой темы. Иногда экспозиционные решения влияют на концепцию выставки и наоборот. 

Тенденции развития галерейного пространства. Многослойность и интерактивность.

Концепция Белого куба сейчас уже не является единственной доминирующей. Проекты «site- specific» и выросшие из этого экспозиционные проекты, в которых пространство подвергается эклектичным модификациям с тотальными инсталляциями приобретают все большее распространение. 

 

 

  • Понятия: «site- specific проекты - это проекты, в которых центральную, основополагающую роль в формировании экспозиции отдают пространству, обладающему специфическими архитектурными особенностями или культурно-историческим бэкграундом.

 

Один из важнейших принципов построения любой экспозиции - это смысловая многослойность. Выставка составляется таким образом, чтобы даже у человека, который пришел на выставку только для того, чтобы пробежаться и поделать селфи, осталось в голове какое-то впечатление, какая-то информация, образы. Интерактивность выставок так же направленна на разные типы посетителей. В идеале, для того же любителя фотографироваться на выставке должен быть объект, у которого можно сделать фото - это может зацепить и вовлечь посетителя в диалог и, в том числе, полезно в плане пиара и освящения выставки в социальных сетях. Это самый первый, самый примитивный слой, а далее выставка должна как книга, раскрываться и развиваться для тех людей, которые всерьез заинтересованы в этой выставке или теме.

 

Литература: 

  1. «Внутри белого куба. Идеология галерейного пространства» Брайан О’Догерти
  2. «Пути кураторства» Ханс Ульрих Обрист
  3. «Музейная экспозиция». Ответственный редактор М.Т.Майстровская. 1997.
  4. «Выставочное и галерейное дело» Е. А. Карцева
  5. МУЛЬТИМЕДИА В СОВРЕМЕННОЙ МУЗЕЙНОЙ ЭКСПОЗИЦИИ. Л.П. Баруткина